Teoría de la luz

Clase teórica dedicada a la luz y a la sombra. La luz da lugar a todo lo visual: color, forma...

Escribe Apollinaire en el Manifiesto Cubista: 
'Los nuevos artistas quieren una belleza ideal que ya no sea solo expresión orgullosa de la especie, sino expresión del universo, en la medida en que este se ha humanizado en la luz'

La luz puede ser natural o artificial (continua o discontinua). Las gradaciones de luz y sombra son las que crean los volúmenes en un imagen y nos permiten imitar la tercera dimensión.

La sombra no es sino la ausencia de luz, no es la nada, sino simplemente una parte de la realidad que se nos hace inaccesible.

Tanto la luz como la sombra tienen significación cultural, la una relacionada con lo espiritual, lo positivo, lo verdadero y la otra con lo terrenal, lo negativo, lo oculto...

La luz, que en Grecia se refería a la verdad, para el cristianismo se convirtió en símbolo de la divinidad y pobló durante siglos el arte religioso. Por ejemplo, la arquitectura gótica buscaba crear espacios muy luminosos para acercar al creyente a Dios.

El Greco

Doré

Más tarde se convertiría para los impresionistas y las vanguardias en un elemento plástico puro que no tenía porque referenciar ningún concepto.

Klee

La oscuridad y el color negro por otro lado llevan mucho tiempo presentes en el arte (Romanticismo, vánitas...)

Tintoretto

Goya

El artista Anish Kapoor compró el uso exclusivo de Vantablack, un compuesto creado artificialmente que se considera el negro más negro que existe. La luz no puede escapar de su superficie, la oscuridad total elimina cualquier volumen del objeto a la vista.

Algunos pintores como Rothko o Ad Reinhardt ha creado obra eliminando prácticamente la luz de la imagen.

Reinhardt

Rothko

El artista Pak Sheung Chuen presentó una exposición de fotografía en Tate Modern que tuve la suerte de visitar. La sala está completamente a oscuras y solo puedes ver las obras con el flash del móvil. Chuen viajó con su familia a Malasia 5 días con los ojos cerrados y gafas oscuras y una cámara compacta que disparaba a ciegas.

También han sido temas recurrentes de otros fenómenos culturales. Por ejemplo, la oscuridad es una tematica y un elemento estético esencial en la cultura blacker con notaciones paganas, nihilistas...
La oscuridad también tienen glamour, los diseños de álbumes de jazz o blues la han usado como recurso desde siempre, tratándola como símbolo de la noche, la elegancia...

Sonny Rollins

 Darkthrone

Algunos de los artistas que trabajan directamente con la luz son Dan Flavin y Daan Roosegaarde.

Flavin

Roosegaarde

Doris Salcedo

       Después de salir de la exposición de Esther Ferrer, me he acercado al Palacio de Cristal para visitar Palimpsesto, de Doris Salcedo.

Se llama Palimpsesto al manuscrito en el que se ha eliminado un escrito anterior para usar de nuevo el mismo soporte. Sombrío símbolo de repetición, huella y desplante con el que se presenta este trabajo.

Este es un proyecto de alguna manera escultórico. Desde luego el gris de piedra, el hierro y el cristal tienen un papel vital como materiales en la impresionante atmósfera que crea la obra, pero su razón de ser indudablemente son el espacio y la metáfora.
Bajo el techo transparente del Palacio, en el espacio amplio y diáfano brotan gotas de agua del suelo que 'escriben' los nombres de personas ahogadas en el mar Mediterráneo intentando llegar a Europa huyendo de la guerra. Toda la obra inspira una sensación extraña, como de fragilidad, pero elevada y noble de alguna manera. Ver como las gotas lentamente aparecen temblando en el suelo, sobre las huellas de las anteriores, para dibujar un nombre anónimo pero móvil sobre brillante en piedra gris es simplemente emocionante.

La obra es fruto del duelo, pensada como una marcha fúnebre que quiere enfrentarnos al dolor de manera poética y casi abstracta. Doris Salcedo ya ha tomado este camino en otras ocasiones. Suele usar objetos de valor simbólico, como muebles, y grandes estancias para retratar emergencias sociales. Crea un espacio extraño y con algo casi religioso diría yo, inquietante y a la vez sereno como un cementerio.

Esther Ferrer

            Hoy he visitado la exposición de Esther Ferrer en el Palacio de Velazquez. La artista ha dedicado casi toda su carrera la performance. Sus trabajos son fríos y conceptuales, bastante herméticos. Muchos son instrucciones para llevar a cabo tú mismo la performance, posibilidad que brindaba la exposición. Se perciben influencias de los movimientos sociales que sacudieron el arte de segunda mitad de siglo, algunas obras contienen crítica feminista y antibelicista, e incluso algún eco situacionista.

Encontramos trabajos de formatos muy diferentes: papel, fotografía, objeto intervenido, grabaciones... La principal constante en la carrera de la artista es la 'exploración' de tiempo, espacio y nuestra acción en ellos.

            Lo más interesante para mí han sido los estudios para Poema de los números primos, una obra basada en parámetros matemáticos y rítmicos en relación al tiempo y al espacio. Los dibujos en dos dimensiones se transforman en complicados laberintos de hilos que desarrollan los patrones en el tiempo.

Imagen

Clase teórica en la que hemos reflexionado sobre la naturaleza de la imagen. La presencia de imágenes en nuestras vidas es continua y apabullante y sin embargo, muy a menudo nos vemos sin los recursos necesarios para procesarlas debidamente. Los nuevos medios de comunicación, eminentemente visuales, han desbancado al texto como principal comunicador y aún mucha gente no ha desarrollado un entendimiento inmediato de como funciona la imagen. Se puede hablar de un proceso de alfabetización visual en marcha.

Mark Bradford

La imagen no necesariamente tiene que representar una realidad externa a ella, cuando lo hace puede ser abstracta o figurativa. Para analizar una imagen tenemos que conocer su contexto y su código concretos.

Aunque la imagen encuentra sentido en una cultura, momento y medio concretos también es cierto que son un modo de comunicarnos ajeno a la lengua y que hay un cierto esqueleto común en como todos nosotros digerimos una imagen.

Las imágenes pueden clasificarse por su nivel de iconicidad según sean más o menos fieles a la realidad de la que parten. Por ejemplo, el cine, la imagen en movimiento tendría un nivel de iconicidad muy alto mientras que los símbolos totalmente abstractos, como logotipos o ideogramas representan el otro extremo.

Estes

Malevich

Al acabar la exposición, hemos salido todos de la clase menos la profesora y unas pocas compañeras. Al volver a entrar han intentado describirnos una imagen que solo ellas habían visto. Nosotros hemos dibujado su descripción y luego hemos comparado con la imagen original.

Formas

La forma delimita al objeto, separándolo de su entorno e identificándolo, aunque también puede ser abierta e imprecisa.

Nos hemos ceñido a la clasificación de la forma de Wagensberg:

1. Esfera: íntima, unidad perfecta daso que todos sus puntos cierran al objeto desde la misma distancia y apunta a su centro.

2. Onda: comunica el objeto con su entorno y con otros.

3. Ángulo: corta, concentra el movimiento y la tensión en un lugar.

4. Hexágono: cubre, pavimenta, su repitición es la mejor forma de cubrir totalmente un espacio.

5. Fractal: la parte asemeja al todo y viceversa.

6. Hélice: atrae.

7. Espiral: se cierra en torno a sí, se desarrolla protegida del medio.

Composición y gestalt

Clase teórica sobre composición, ¿dónde situamos los objetos en el plano? ¿Qué relaciones establecemos entre ellos?

Para configurar una imagen y controlar su efecto tenemos que conocer las distintas formas de organizar sus elementos. Ya sea con color, formas o movimientos, queramos o no queramos establecemos una lectura u otra.  

Según su dirección (la dirección de nuestros ojos al observar la imagen, que el artista intenta controlar), clasificamos las composiciones como ascendentes o descendentes; según la posición del ojo del espectador picadas, contrapicadas, frontales; pueden ser simétricas o asimétricas, etc.

Simétrica (Stella)
Las dos mitades del cuadro son similares o completamente armónicas entre ellas.
El pintor busca crear un todo completamente organizado y uniforme, más una textura única que se percibe de un golpe que una variedad de elementos organizados. Los pesos están centrados y los ejes horizontales y verticales se equilibran.

Asimétrica (Kelly)
Las dos mitades son asimétricas y casi antagónicas tanto en color como en forma.
A la izquierda tenemos un rectángulo rojo brillante, tajante y descendente que se apoya en un ángulo, mientras
que a la derecha tenemos una forma irregular, curva, blanda y de un azul pesado.

Ascendente (Brancusi)
Esta escultura representa de manera lírica y casi abstracta el ascenso de un pájaro en el aire.
Al estar prácticamente inscrita en una línea vertical,
el movimiento ascendente se logra dirigiendo el volumen y la curva lateral hacia la parte superior.
Uno de mis favoritos personales, por el delicadísimo
(y brutalmente emotivo, aunque no lo parezca) equilibrio de los pesos.

Descendente (portada de album de Deathspell Omega)
Aquí, la composición hacia abajo se usa de manera simbólica, por usar el motivo del ángel caído.
Los rayos señalan hacia el límite inferior de la imagen y el gran peso
blanco del torso sin ningún apoyo contra el negro
crean el vértigo.

La composiciones sugieren significado. Por ejemplo un triángulo que apunta hacia arriba recuerda a la espiritualidad, uno que apunta hacia abajo a la tierra. Una composición vertical es imponente y espiritual casi siempre, una horizontal nos transmite quietud, vacío...

Horizontal (Rothko)
Aquí la horizontalidad y los colores apagados producen
el silencio, el espacio abierto sin ocupar, sin apaciguar por tanto.

   

Vertical (Twombly)
Las formas del tercio superior, apoyadas en las verticales, nos sugieren una mirada.
Sumado esto al trazo frenético, a los colores sucios y a la repetición
crean una sensación intimidante. Las composiciones verticales pueden empequeñecer
al espectador. 

  

Tradicionalmente, se ha usado la línea de horizonte centrada para crear composiciones centradas. Bajándola o subiéndola generamos sentimientos más fuertes.

Paisaje de Corot.
Pintura clásica, serena, que retrata una escena campestre de manera
sencilla, pacifica, halagadora.

Paisaje de Kiefer.
Kiefer crea paisajes enormes y simbólicos, trágicos, a veces incluso tratando el holocausto.
Para representar la enormidad de la experiencia y de alguna manera 'ahogarnos'
la línea del horizonte se sitúa muy arriba, prácticamente eliminando
el cielo y el aire, nos deja solos en la tierra. 

     

Algunos recursos como la repetición nos dan composiciones casi siempre efectivas.

Martin.
Este tipo de composiciones se pueden interpretar como una especie de mantra,
cuando el mismo motivo se repite continuamente se crea un ritmo hipnótico.
La eliminación del color concentra la experiencia en este ritmo
 y las imperfecciones del patrón dan vida al cuadro.

También hemos estudiado la teoría Gestalt: las leyes que rigen la percepción visual en el espacio.



1. Proximidad: agrupamos visualmente los objetos parecidos


2. Figura y fondo: solo podemos percibir una imagen como figura y fondo, no podemos leer las dos a la vez.

3. Continuidad: damos por sentada la continuidad de figuras que parecen partidas al taparlas otra.

4. Cierre: nuestro cerebro cierra automáticamente contornos ligeramente abiertos o une figuras muy cercanas.

5. Contraste: una figura se define en relación al resto.

Grasa

En esta ocasión, mientras algunos compañeros trabajaban en el estudio fotográfico, nosotros hemos estado debatiendo sobre la obra de algunos artistas en clase y sobre el concepto de arte en general. La profesora nos ha puesto algunos ejemplos de cómo trabajan actualmente la mayoría de artistas reconocidos. Hemos visto como se organiza la interfaz de una web de artista: biografía, trabajos, contacto... La mayoría de los artistas actuales trabajan por proyectos e incluyen un cuerpo teórico, un manifiesto o simplemente una explicación escrita al trabajo y un reportaje sobre el proceso de la obra.

María Jesús nos ha contado como anécdota, el trabajo de un amigo suyo que consistió en escribir una exposición falsa, de un trabajo artístico falso que supuestamente consistía en la artista (interpretada por una actriz) quedándose embarazada y a continuación abortando una vez tras otra. Este trabajo que quiere poner al espectador (por supuesto ignorante de que la artista solo actúa) en el propio límite de la práctica artística empezó rápidamente un debate en torno a la moralidad del arte, sus limitaciones e incluso su existencia.